HISTORIA NO CONTADAS DE PERSONAJES DE LA MÚSICA.

Cuando las tribus del llamado pop de sintetizadores se unen, en general comulgan alrededor de grandes temas creados por bandas de inicios de los 80 como Erasure, Pet Shop Boys, Yazoo, New Order, OMD y Depeche Mode.

En ese sentido, la dupla que en su momento formaron Vince Clarke y Alison Moyet dejó un legado que, aunque limitado, sigue siendo considerado entrañable entre los amantes de este género. No se trataba solamente de una corriente musical, sino de una vena generacional, una conexión de edades de los hoy cuarentones y treintones, una estrella del pasado cuyo brillo sólo ellos recuerdan, una avalancha cuya fuerza guardan bien en la memoria.

Hace casi 30 años, «Nobody’s Diary» fue uno de tantos sencillos que contribuyeron al crecimiento exponencial del synthpop en Reino Unido. Perteneciente al segundo y último álbum de Yazoo, Moyet escribió una sentida letra sobre un amor no correspondido que convirtió la melancolía en exquisitez pura, lo que no precisamente hizo feliz a Clarke, quien buscaba un sonido más electrónico y no de vuelos bajos. Al poco tiempo, la dupla decidió romper y tomar rutas distintas.

Algo así como 25 años después, se dio un breve reencuentro de la banda para dar unos cuantos conciertos. Ahí fue recordada y recuperada «Nobody’s Diary», cuya respuesta por parte del público fue más que contundente.

Hay páginas que por más que se llenen de polvo, jamás se borran.

Gorillaz conjugará baile y misticismo en su noveno álbum...
26 de marzo “The Mountain”será su noveno album, también será la primera referencia de Kong Records, el nuevo sello creado por Albarn. El disco, por cierto, será presentado oficialmente en una gira que arrancará el 21 de marzo.
#gorillaz

NUEVO ALBÚM DE MOBY " future quiet"

Después de algunas especulaciones, Moby finalmente anunció el lanzamiento de Future Quiet, su vigésimo tercer disco de estudio.
"A medida que el mundo se vuelve más ruidoso y loco, me encuentro necesitando el refugio de la quietud. El mundo nos grita, nuestras pantallas nos gritan… Future Quiet es ese refugio para mí y espero que lo sea para ustedes”
#moby

U2 LANZAN POR SORPRESA EL EP DE FUERTE CARGA POLÍTICA «DAYS OF ASH»...

U2 ha lanzaron ayer por sorpresa el EP desafiante y de fuerte carga política «Days Of Ash» («Días de Ceniza») y han anunciado una nueva edición única de su clásico fanzine, Propaganda.

La banda irlandesa se ha tomado su tiempo, es su primera música en nueve años, desde 2017.

El nuevo lanzamiento incluye seis canciones y lo ha publicado Island Records. Bono y compañía lo han descrito como una respuesta a los convulsos tiempos que corren y lo han dedicado a quienes luchan en primera línea por la libertad.

Cuatro de las canciones tratan sobre personas y se centran en una madre, un padre, una adolescente cuyas vidas fueron truncadas, así como desde el punto de vista de un soldado que lamenta tener que renunciar a sus sueños de creatividad para ir a defender la libertad de su país.

El EP se abre con fuerza con «American Obituary», hace referencia a los sucesos ocurridos en Minnesota el 7 de enero, cuando una civil llamada Renee Good fue asesinada por un agente del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) de Estados Unidos.

Le sigue otra nueva canción, «The Tears Of Things», que examina, a través de los escritos de los profetas judíos, cómo vivir con compasión en tiempos de violencia y desesperación. La letra también imagina una conversación entre el David de Miguel Ángel y su creador, donde el primero rechaza la idea de que tiene que convertirse en Goliat para derrotarlo. Tanto la primera canción como la segunda están muy bien.

«Song of the Future» fue escrita para honrar la vida de Sarina Esmailzadeh, de 16 años, una de las miles de colegialas iraníes que salieron a las calles como parte del movimiento Mujer, Vida, Libertad en 2022. Se unieron tras la muerte de Jina Mahsa Amini, una joven kurdo-iraní que falleció en Teherán a causa de las heridas sufridas tras su arresto por no llevar el hiyab según las normas gubernamentales.

Esmailzadeh fue detenida por las fuerzas de seguridad iraníes y murió a causa de las heridas, y la canción de U2 busca honrarla por los esfuerzos que realizó en su corta vida. El tema es más modesto. El EP empieza muy bien pero va perdiendo a lo largo de sus seis canciones.

El disco también incluye una lectura de «Wildpeace», un poema del autor y poeta israelí Yehuda Amichai, y la canción «One Life At A Time». Esta última está dedicada a Awdah Hathaleen, palestino, padre de tres hijos y profesor, quien fue asesinado en su aldea de Cisjordania por un colono israelí el año pasado.

El EP concluye con la canción «Yours Eternally», en la que Bono y el guitarrista The Edge colaboran con Ed Sheeran y el músico ucraniano convertido en soldado Taras Topolia. El tema, escrito en forma de carta de un soldado en servicio activo, incluye un cortometraje documental dirigido por el director de fotografía y cineasta ucraniano Ilya Mikhaylus.

El documental captura la vida cotidiana de Alina y sus compañeros soldados que luchan en el frente de la guerra y se estrenará el martes de la semana que viene, 24 de febrero, cuatro años después de que Rusia invadiera Ucrania.

Bono ha declarado sobre el nuevo EP de U2:

“Ha sido emocionante tenernos a los cuatro juntos de nuevo en el estudio durante el último año”, revelando también que un álbum completo con material nuevo llegará a finales de 2026.

HISTORIA NO CONTADAS DE PERSONAJES DE LA MÚSICA.

Tarzán y el mimo, En las discotecas ochenteras, tupidas de rosas chillantes y azules eléctricos, el grito de Tarzán, conocido por otros simplemente como «el llamado de la selva», retumbaba de lo lindo los viernes y sábados de interminable juerga. Y todo por culpa de Baltimora, una formación electrónica a cargo del productor Maurizio Bassi. Un proyecto italiano que, como tantos de la década, halló notoriedad exprés: dos que tres shows televisivos interesados en su oferta y ¡pum!… dinero fácil.

Éxito y debacle rápidos. Una estrella que, pese a ser fugaz, permaneció en el disco duro de los chicos de una generación entera a la que todavía hoy, entre canas, achaques y arrugas, le nutre meter reversa en el tiempo.

En abril de 1985 su simplón y embriagante primer single, «Tarzan Boy», salpicó cuanta estación de radio sonaba en favor del pop. Y muy pronto el contagio entre programadores y patronos de las radiodifusoras propició que la pieza, remojada en el género italo-disco, llegara a la cima de los listados de popularidad en Bélgica, España, Países Bajos, Francia y Canadá, además de agenciarse el tercer lugar en Reino Unido y el decimotercero en el Billboard. A esto habría que sumar una generosa exposición de su videoclip en MTV, donde el frontman norirlandés de Baltimora, Jimmy McShane, se contoneaba cual culebra dentro de un holgado atuendo en tonos blanco y café. Intenso maquillaje, fogonazo a la vista.

«Me inicié como bailarín a los siete años, luego abandoné Irlanda y me fui a Londres a estudiar teatro, ahí aprendí a cantar», le dijo Jimmy a Dick Clark cuando debió actuar en el programa American Bandstand para promover el álbum Living in the Background. «Actuar»… porque en realidad McShane se dedicaba a hacer mímica. Desquitaba su salario meneando la cadera como un ente hipervitaminado frente a las cámaras, sonriente y gesticulante con esos anteojos que parecían haber sido remojados en colorante. En el mejor de los casos el británico pegaba el grito de Tarzán, pero esto, con garganta sana, cualquiera puede hacerlo.

Aún en la era de la dictadura synthpopera, la banda no volvió a crear sencillos de alto voltaje como «Tarzan Boy». Desanimado al mirar el descenso de las cifras, Bassi desmembró el proyecto en 1987. A Cenicienta le había llegado la media noche.

Una década después de la gloria, McShane falleció por complicaciones asociadas al SIDA sin que muchos se enteraran. No sólo apilaba 37 años de vivencias cuando su reloj biológico se detuvo, también se llevó a la tumba ese gran secreto de ser el mimo de Baltimora. Esto fue revelado por el productor Tom Hooker tiempo después, cuando ya nadie podía llevar a la hoguera al infractor: «Hay mucha mierda en el negocio y muchos no desean molestar a sus fans para no sacrificar la venta de discos. Ya no me importa, digo la verdad tal cual es: Baltimora era el canto de Maurizio Bassi y no la imagen que murió de SIDA años más tarde. Milli Vanilli no eran cantantes reales, Boney M. en los años 70 era un grupo de pura imagen. Yo no inicié esto. Se trata de adultos tratando de hacer negocios.»

Más allá de la controversia que en realidad nunca estalló, todavía en nuestros tiempos «Tarzan Boy» es pegajosa gracias al molde que desde 1985 han abrazado con vigor los adictos a la electrónica. Desde aquellos tiempos en que asistían a la disco para hacer el llamado de la selva a coro con McShane.

«FLAGS», LO NUEVO DE DAMON ALBARN, SIN GORILAZ NI BLUR...

Damon Albarn, el líder de Gorillaz, reflexionó sobre su reciente regreso al mundo de War Child. Más de treinta años después de contribuir al emblemático álbum de 1995 de la organización benéfica, Albarn regresó al Estudio 2 de Abbey Road para colaborar en el nuevo tema «Flags» junto a Grian Chatten y Kae Tempest.

El ambiente en el legendario estudio era de intercambio creativo. »

«·Fue genial. Estudio 2… , en donde grababan los Beatles,todos estaban haciendo algo en todas partes», le contó Albarn a Matt Wilkinson. El espíritu de las sesiones era tan contagioso que el líder de Blur se vio asumiendo roles inesperados: «Terminé en un coro para una de las canciones de Pulp. Fue genial. Fue realmente genial. Y como muchas bandas jóvenes, ¿sabes? Había un buen espíritu».

Al hablar de los orígenes de la nueva colaboración, Albarn explicó su reciente cambio en la filosofía de composición.

«Últimamente he estado escribiendo muchas canciones e intentando escribir más en clave mayor. Bueno, lo hice por un tiempo, pero me di por vencido otra vez, pero lo intenté. Uno de los resultados más exitosos fue esta especie de idea para una canción llamada ‘Flags’. Finalmente, presentó la idea al equipo, y «luego se involucró Grian y luego Kae».

Comparando la experiencia con su contribución de 1995, Albarn admitió a Matt Wilkinson que su yo más joven era un poco más enigmático.

«Miro hacia atrás y realmente no entiendo qué estaba haciendo. Hicimos una especie de música extraña y oscura. Esta vez… la escribimos todos juntos. Fue realmente agradable. Y creo que había una verdadera sensación de que los músicos disfrutaban pasando tiempo juntos». 

AHORA, FILM BOGRÁFICO DE MAMAS AND THE PAPAS...

La obsesión de Hollywood por las películas biográficas musicales no solo está viva, sino que está en pleno auge. Aquí hay otra, y ya tiene actriz para el papel principal . Jessica Gunning («Baby Reindeer») interpretará a Cass Elliot en una película biográfica de Mamas and the Papas.

La película será producida por Veritas, la misma compañía detrás de «A Complete Unknown». Elliot fue el cantante principal de la banda, interpretando grandes éxitos como «California Dreamin'» y «Monday Monday». Los otros miembros fueron los fundadores John Phillips, Denny Doherty y Michelle Phillips.

Elliot, quien murió muy joven, formó parte del mundo de los cantautores de «Laurel Canyon», que incluía a Joni Mitchell y Crosby, Stills, Nash & Young, entre otros. Las historias que he leído sobre su vida son disparatadas, pero no, no murió atragantándose con un sándwich de jamón, como muchos todavía creen; fue un infarto.

Actualmente no hay ningún director o escritor vinculado al proyecto, pero presumiblemente Veritas está en proceso de contratarlos ya que después de años en un desarrollo infernal, el proyecto ahora está en movimiento.

Esta es solo una de las docenas de películas biográficas musicales en desarrollo, con proyectos ya aprobados que abordan a Blondie, Britney Spears, Michael Jackson, The Beatles, Madonna, KISS, Joni Mitchell, Lionel Richie, The Bee Gees, Carole King, Ronnie Spector, Janis Joplin, Dionne Warwick, Sinéad O’Connor y Linda Ronstadt.

Es como una locura desde el éxito de Queen.

En los últimos ocho años, desde que “Bohemian Rhapsody” desató esta locura, se han estrenado películas sobre Bruce Springsteen, Bob Dylan, Bob Marley, Aretha Franklin, Elvis, Elton John, Whitney Houston y Amy Winehouse.

¿POR QUÉ PINK FLOYD LLAMARON «DARK SIDE OF THE MOON» A SU ÁLBUM ?...

Antes de su obra maestra de 1973, The Dark Side of the Moon , Pink Floyd había luchado por encontrar su lugar tras la partida de su principal figura, Syd Barrett, en 1968.

En el documental Classic Albums sobre el LP, el guitarrista David Gilmour luego describiría gran parte de su música en los años posteriores al despido de Barrett como «ese material psicodélico».

No hubo improvisaciones en The Dark Side of the Moon . Solo 43 minutos de música dolorosamente reflexiva y profundamente conmovedora, distribuida en diez temas y una miríada de géneros diferentes, pero singular en su visión. Hay meditaciones crudas sobre la brevedad de la vida, la guerra, el capitalismo, las divisiones de clase y la salud mental.

Todo ello se presenta en una psicodelia expansiva pero melódica, con tintes jazzísticos, que Barrett habría sido el primero en apreciar. El bajista Roger Waters estaba despuntando como compositor, aportando algunas de las letras más emotivas jamás escritas para canciones de rock y guiando la dirección musical del álbum.

Pero ¿qué significa realmente el título?

En pocas palabras, » El Lado Oscuro de la Luna» fue el primer título provisional que se les ocurrió a la banda para el álbum que estaban creando, para describir las ideas que estaban desarrollando. La cara de la luna que mira en dirección contraria al sol fue la mejor metáfora que encontraron para la enfermedad mental, que es el tema principal del álbum, como lo ejemplifican las canciones «Speak to Me», «Brain Damage» y «Eclipse».

En particular, pensaban en su excompañero Barrett, cuyos problemas de salud mental lo obligaron a abandonar la banda y a recluirse. La etimología de la palabra «lunático», sinónimo común de locura, atrajo a la banda porque se originó en el diagnóstico medieval de un tipo de locura intermitente que parecía variar según la posición de la luna.

El álbum incluso se subtituló «A Piece for Assorted Lunatics» cuando la banda lo estrenó en vivo en el Rainbow Theatre de Londres un año antes de su lanzamiento discográfico. El tema de la locura seguiría siendo un tema recurrente en la música de Pink Floyd desde entonces, especialmente en su álbum Wish You Were Here , para el que escribieron la canción «Shine On You Crazy Diamond» en referencia directa a Barrett.

Sin embargo, la banda nunca lograría superar a The Dark Side of the Moon como obra de arte singular. Como Waters explicó recientemente , Floyd «por fin lo habíamos logrado». Habíamos creado el álbum que definiría su carrera.»

SOUNDBOXRADIO, una excelente definición en el arte de escuchar buena música.

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NICK JONAS estrena febrero con su quinto álbum en solitario, ‘Sunday Best’...

Nick, el hermano más pequeño de los legendarios Jonas Borthers.

El cantante, que vio su carrera nacer gracias a su participación en series y películas de Disney,

 “aunque este álbum se creó en los últimos dos años, en realidad tardó 33 años en desarrollarse”. Es decir, es el resultado de toda una vida. 

#nickjonas

 VAN HALEN RECUPERAN «5150», SU PRIMER ÁLBUM Nº 1...

Van Halen celebra el 40 aniversario de «5150», el primer álbum con la formación de Eddie Van Halen, Alex Van Halen, Michael Anthony y Sammy Hagar, éste último reemplazando al miembro fundador y cantante David Lee Roth.

Sorprendentemente, a pesar de todo el éxito con su formación de toda la vida, la banda nunca había conseguido un álbum número 1. Eso cambió con «5150» de 1986, su primer álbum en encabezar las listas de éxitos estadounidenses, gracias a éxitos como «Why Can’t This Be Love», «Dreams» y «Best Of Both Worlds», según recuerda Best Classic Bands.

Para celebrar ese 40 aniversario del álbum, Rhino lanzará «5150 (Expanded Edition)» el 27 de marzo. La colección de LP/3 CDs/Blu-ray incluye el álbum remasterizado directamente de las cintas master originales, supervisado por el veterano ingeniero de la banda, Donn Landee.

El set también incluye más de 90 minutos de grabaciones inéditas del concierto de Van Halen del 27 de agosto de 1986 en el New Haven Veterans Memorial Coliseum de New Haven, Connecticut. A estas se suman una selección de ediciones únicas de singles y versiones extendidas de maxisingles. El Blu-ray incluye una nueva versión en alta definición de «Live Without a Net», el vídeo del concierto de Van Halen de 1986, doble platino, grabado esa misma noche de agosto en New Haven, junto con los vídeos promocionales de «Dreams» y «Why Can’t This Be Love».

Las versiones independientes de «5150», que incluyen el álbum remasterizado y rarezas, también estarán disponibles el mismo día en formato de 2 CDs o 2 LPs.

Van Halen grabó «5150» en los estudios Eddie’s 5150 de California a finales de 1985. Lanzado el 24 de marzo de 1986, el álbum debutó en la cima del Billboard 200.

Rápidamente se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de su carrera, obteniendo seis discos de platino en EE. UU., y fue seguido por la extensa y exitosa gira 5150. En el escenario, la nueva formación se centró en material nuevo como «Love Walks In», «Best Of Both Worlds» y «Get Up», sin dejar de ofrecer clásicos como «Panama», «Jump» o «Ain’t Talkin’ ‘Bout Love».

'AFTER HOURS' Richard Marx debuta en las listas de jazz de Billboard.
Ricard Marx, su nuevo álbum, 'After Hours' debuta en el puesto 14 el Álbumes de jazz tradicional y el puesto 18 en el ranking general del género.

#RichardMarx

Sonamos como somos, libres.

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LO NUEVO DE VAN MORRISON SE TITULA “Somebody Tried to Sell Me a Bridge” (“Alguien intentó venderme un puente”, jajajajaja!) salio a la venta el 23 de enero, claramente escorado hacia el blues, rindiendo homenaje a las leyendas de clásicos como B.B. King, Buddy Guy, LeadBelly, Eddie Vinson, T- Bone Walker, Junior Wells etc. #VanMorrison

BECK A LANZADO NUEVO LP “Everybody’s Gotta Learn Sometime” compuesto por versiones, grabaciones inéditas y canciones de bandas sonoras.

El único tema original de Beck es “Ramona”, Con su sonido experimental, Beck a logrado hacer un lp distinto.

2 Nuevas y hermosas canciones en lo nuevo esta semana...

JAMES SMITH - For you, my love

RABO - Without Me

Sonidos para oídos inteligentes.

«RADIO GA-GA» , LA IRÓNICA CANCION DE QUEEN...

Queen han lanzado  ‘Radio Ga Ga’: el último episodio de su serie de videos de archivo en curso, ‘The Greatest’.

Inspirado por escuchar a su hijo pequeño pronunciar las palabras «radio ka-ka» a una mala canción en la radio, en San José, en su casa de Ibiza  , Roger Taylor  compone «Radio Ga Ga» , que continuaba proporcionando a Queen uno de sus mayores éxitos, alcanzando el número 1. en 19 países. El éxito de la canción consolidaría el lugar de Taylor como uno de los principales compositores de éxitos de la banda.

Incluida en el álbum  en el álbum de Queen de 1984, The Works , «Radio Ga Ga» fue un ejemplo perfecto de cómo las responsabilidades de composición de canciones dentro de la banda habían evolucionado durante los primeros 13 años …

John Deacon:

«En los primeros días, eran Brian y Freddie quienes realmente solían escribir la mayor parte del material, pero en los últimos cinco años, Roger y yo comenzamos  a contribuir más».

Freddie Mercury:

“Creo que ha llegado el momento en el que, en la composición de canciones, estamos completamente igualados. A Roger se le ocurrirá algo como «Radio Ga Ga», y es perfecto «.

Roger Taylor:

“Un domingo por la tarde, vino mi hijo Félix y es muy joven, y simplemente dijo ‘ah, Radio Ka Ka’, porque es mitad francés. Y entonces pensé, ‘eso es bastante bueno’. Sabes. En cierto modo armé la pista de acompañamiento y luego se la presenté a Freddie, a quien realmente le encantó «.

Fue el video, dirigido una vez más por el brillante David Mallet, el que captó la imaginación de la generación de MTV y, al mismo tiempo, recibió una reacción inesperada. Aunque la idea era de la obra maestra de «Metropolis» , en cuya banda sonora había estado trabajando Freddie Mercury con Giorgio Moroder. 

Roger Taylor:

“Tuvimos un video increíble, en el que trabajamos mucho. Y todo se sintió bien y se sintió de su tiempo y se sintió un poco diferente. Me sentí moderno y muy fresco «.

Inevitablemente, algunos miembros de la prensa británica querían una razón para descartarla y acusaron a Queen de incorporar imágenes fascistas, una noción que Roger encontró más divertida que molesta … «

Roger Taylor :

“Eso fue tan absurdo, quiero decir que en realidad estaba destinado a ser sobre la película, sabes que estaba destinado a reflejar la Metrópolis de Fritz Lang , los trabajadores oprimidos y etcétera. Y la cosa nazi es realmente ridícula. La gente siempre encontrará una agenda si la necesita. Es una pieza de entretenimiento, ya sabes, así de simple «.

Si el éxito del video y el single no fue suficiente, “Radio Ga Ga” tuvo un impacto aún mayor cuando se trataba de los shows en vivo de Queen.