JOHN PAUL JONES CASI SE VA DE LED ZEPPELIN ANTES DE “PHYSICAL GRAFFITI”...

John Paul Jones estuvo a punto de abandonar Led Zeppelin en el apogeo de su fama, y ​​justo antes de comenzar a grabar el álbum que consideraba su obra maestra, “Physical Graffiti”, según recordó la revista Ultimate Classic Rock.

Tras 5 grandes álbumes de estudio, de “Led Zeppelin” en 1969 a “Houses of the Holy”, la gira de estadios del grupo en 1973 rompió récords en toda América del Norte, pero dejó a los miembros de la banda exhaustos y algo desconectados de la realidad.

“Tocamos sets durante tres horas seguidas, y esa fue un verdadero… Quiero decir, cuando regresé de la última gira no sabía ni dónde estaba”, le contó el guitarrista Jimmy Page a la revista Crawdaddy en 1974.

“Ni siquiera sabía a dónde iba. Terminamos en Nueva York y lo único con lo que pude identificarme fue con el instrumento en el escenario. Estaba completamente desorientado”.

Jones, como Page un veterano, solicitado y brillantísimo músico de sesión de los años sesenta, empezó a relajarse y disfrutar de su tranquila vida familiar y se preguntó si no había tenido suficiente carretera. A finales de 1973 le dijo al manager de Zeppelin, Peter Grant, que estaba considerando dejar el grupo.

“Estábamos todos muy cansados ​​y bajo presión, y la situación era crítica. No quería fastidiar al grupo, pero no quería que mi familia se desmoronara”.

Grant intentó disuadirle:

“Se lo dije a Jimmy Page, que no podía creerlo”, recordó en el libro de 2012 “From a Whisper to a Scream: The Complete Guide to the Music of Led Zeppelin”.

“Era la presión. Era un hombre de familia, era Jonesy. En ese momento, la cuestión de la seguridad en los EE. UU. se estaba volviendo ridícula. Empezamos a recibir amenazas de muerte”.

Grant animó a Jones a tomarse un tiempo libre antes de tomar una decisión tan importante. Jones se saltó las sesiones de grabación del grupo en noviembre de 1973, las primeras de lo que se convertiría en el álbum doble de 1975, “Physical Graffiti”, el famoso LP de la portada con ventanas troqueladas.

“Pensé que la banda sería divertida durante unos años”, explicó más tarde John Paul Jones.

“Necesitaba hacer algo musicalmente libre, divertido y liberador, pero luego volvería a la carrera más seria en el estudio”.

Como tapadera para no decir la verdad, Led Zeppelin le dijo a la prensa que una enfermedad mantuvo a Jones fuera de las sesiones, una historia que mantuvieron incluso después del lanzamiento del álbum.

“John Paul Jones no estaba bien y tuvimos que cancelar el tiempo de estudio”, dijo Page, antes de agregar un comentario que adquiere todo su significado ahora que se ha revelado la naturaleza real de la ausencia: “Todo se complicó. Nos llevó tres meses resolver la situación”.

Afortunadamente, el tiempo libre fue justo lo que recetó el médico, y Jones regresó al grupo a principios de 1974 para las sesiones en las que se grabó la mayor parte de “Physical Graffiti”.

“Finalmente, creo que se dio cuenta de que estaba haciendo algo que realmente amaba. Nunca más se volvió a hablar de eso”, explicó Grant.

De hecho, las sesiones de enero y febrero de 1974 fueron tan productivas que Zeppelin se encontró con casi tres caras del álbum de material nuevo de primer nivel, lo que los impulsó a revisar sus archivos y desenterrar joyas inéditas como “The Rover” y “Houses of the Holy” para completar su primer álbum doble.

Jones hizo contribuciones particularmente impresionantes en varias de las pistas más innovadoras del álbum, brillando especialmente en “Trampled Under Foot”, impulsada por su clavinete, y en la hermosa epopeya que abre la cara tres, “In the Light”.

Jones permaneció con el grupo hasta que se separaron poco después de la muerte del baterista John Bonham en septiembre de 1980. Debido a los problemas de Page con el abuso de sustancias, Jones y el cantante Robert Plant desempeñaron papeles particularmente importantes en el último álbum de estudio del grupo, “In Through the Out Door” de 1979.

Tras la separación de Zeppelin, Jones siguió la carrera en solitario más ecléctica de los ex componentes de la banda, incluido Plant, produciendo y proporcionando arreglos de cuerdas para bandas como R.E.M. y Butthole Surfers y formando equipo con Dave Grohl y Josh Homme en Them Crooked Vultures, entre muchas otras colaboraciones y proyectos experimentales.

EL ESCÁNDALO DE LA SUBASTA DE OBJETOS DE GEORGE MICHAEL ...

Ha estallado una disputa familiar por la subasta de algunas pertenencias de George Michael, incluida la guitarra que utilizó en el icónico videoclip de ‘Faith’.

La colección, que también incluía discos de oro y platino, programas de giras y cartas, procedía de la colección de la asistente personal del cantante, Siobhan Bailey, quien comenzó a trabajar con Michael en 1984 y siguió siendo su asistente personal durante 20 años.

Bailey falleció en 2014 sin dejar testamento, y los objetos personales pasaron entonces a manos de su marido, del que estaba separada, Ian Belcher, quien los subastó (jueves 29 de octubre) en Sworders.

Sin embargo, la medida fue criticada por Gerard, el hermano de Siobhan, quien intentó detener la subasta y afirmó que su difunta hermana estaría “horrorizada ante la perspectiva de que se celebrara en su nombre”.

Argumentó que todos los objetos eran “sus posesiones personales más preciadas” y especuló que si no hubiera fallecido inesperadamente en 2014, habría hecho un testamento dejando los objetos a sus sobrinos y sobrinas, no a su marido.

Bailey estaba en proceso de divorciarse de Belcher en el momento de su fallecimiento, pero como legalmente seguían casados, él fue considerado su pariente más cercano y heredó los objetos personales.

Belcher puso los artículos a subasta en Sworders bajo el nombre de Bailey, y BBC News informa que esta acción llevó a Gerard a escribir una carta a la casa de subastas, calificándola de “violación de su privacidad”, “uso indebido del nombre de mi hermana” y “sumamente vergonzosa”. También insistió en que se eliminara el nombre de Bailey de la subasta y se incluyera el de Belcher en su lugar.

Guy Schooling, subastador de Sworders, declaró a Guitarist que Belcher quería vender los artículos porque “no podían quedarse en el garaje para siempre” y “se habrían deteriorado”.

El artículo más codiciado de la subasta fue la guitarra que Michael tocó en el famoso videoclip de ‘Faith’ de 1987, y que posteriormente regaló a Bailey. Se preveía que alcanzaría un precio de entre 60.000 y 120.000 libras esterlinas, pero superó con creces esa cifra al venderse esta mañana por 180.000 libras.

Entre los demás artículos se incluían un disco de oro de ‘Wake Me Up Before You Go-Go’ de Wham!, que se vendió por 4.500 libras, un premio entregado a Michael por el Ayuntamiento de Málaga (1.300 libras), una copia firmada del EP ‘Five Live’ de Queen, propiedad de Michael (7.000 libras), y más.

Michael falleció el día de Navidad de 2016 a la edad de 53 años. A principios de este año, su excompañero de banda en Wham!, Andrew Ridgeley, habló sobre la naturaleza “perdurable” de la  música de Michael, diciendo: “Habla a las emociones humanas más profundas”.

Las imágenes de la icónica gira ‘Faith’ en 1988 llegarán a los cines la próxima semana (6 de noviembre). George Michael: ‘The Faith Tour’ se compone de grabaciones perdidas de su concierto en París ese año, que resurgieron y fueron remasterizadas por Andy Morahan y David Austin. Se estrena junto con un álbum en vivo de 18 canciones con actuaciones inéditas

¿QUÉ FUE DE BILL BERRY, BATERÍA DE R.E.M.?

El 1 de marzo de 1995, R.E.M. estaban dando un concierto en el Auditorio Patinoire de Lausana, Suiza, cuando su baterista, Bill Berry, se desplomó en el escenario debido a un aneurisma cerebral.

A pesar del terrorífico incidente, Berry se recuperó por completo y se reincorporó a la banda, pero aproximadamente dos años y medio después, decidió dejar R.E.M. para siempre, según recordó la revista Ultimate Classic Rock.

Cuando anunció su partida, Berry dijo algo así como que “quería volver a ser un tipo normal”, dedicarse a la agricultura y disfrutar de una vida fuera de la fama. R.E.M. decidieron continuar como trío (Michael Stipe, Peter Buck y Mike Mills), pero siempre mantuvieron una relación cercana con Berry.

“Toco la batería desde los nueve años. Estoy en un punto de mi vida en el que mis prioridades han cambiado. Disfruté mucho de mis 17 años con R.E.M., pero estoy listo para… pasar a una nueva etapa”.

Se enfatizó entonces que no había rencor entre Berry y sus antiguos compañeros, y su declaración decía: “La banda quiere enfatizar que esta es una situación completamente amistosa entre cuatro muy buenos amigos”.

En cuanto a esos cambios de prioridades, Berry optó por algo más discreto y comenzó a trabajar a tiempo completo en su granja de heno en Farmington, Georgia, y desde entonces ha mantenido un perfil muy bajo. El aneurisma en sí no fue la causa exacta de la salida de Berry de R.E.M., sino más bien un catalizador.

“No voy a usar eso como excusa”, declaró a CBS Mornings en 2024. “Quizás, redujo —quizás, aquello de Suiza— el aneurisma cerebral y la cirugía exitosa; puede que haya bajado mi nivel de energía. Era tipo A, hiperactivo hasta entonces, y simplemente no tenía el impulso que antes tenía para hacer esto”.

La cosa es que Berry señaló que a lo largo de los años se ha arrepentido de su decisión, aunque esté más que contento con su vida post-R.E.M.

“Para mí, las vacaciones ya están aquí”, dijo en una entrevista de 2019 con el podcast In Weird Cities, desde su casa en Georgia.

“Pasé bastante tiempo en aeropuertos, furgonetas y autobuses. Me gusta quedarme quieto un rato. Todavía no me he cansado de eso”.

En 2007, R.E.M. fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock & Roll, lo que dio lugar a una actuación de reunión de los cuatro miembros originales de la banda. Poco antes de eso, Berry aclaró en una entrevista que nunca abandonó por completo la música ni la composición, solo que ser famoso y vivir la vida de “rock star” de forma tan rigurosa no era para él.

“En mi casa hay un piano, algunas guitarras y una batería que rara vez toco”.

EVERYTHING BUT THE GIRL REGRESAN CON NUEVO LP, “BLUE RESERVOIR”...

Resulta que el regreso de Everything But The Girl no se limitó a un solo álbum. Tracey Thorn y Ben Watt han anunciado “Blue Reservoir”, su segundo disco tras 24 años de pausa discográfica, que saldrá a la venta el 19 de febrero de 2027 a través de Buzzin’ Fly/Virgin Music Group. Como adelanto, el dúo ha compartido “Young and Dumb”, informa Consequence of Sound.

Si bien Fuse, lanzado en 2023, supuso el regreso de Everything But The Girl tras su pausa, Blue Reservoir surgió de algo mucho más pequeño: una serie de conciertos íntimos en el MOTH Club de Londres, con capacidad para 300 personas. La residencia comenzó en 2025 con sus primeras actuaciones juntos en aproximadamente 25 años y se extendió a unos 30 conciertos, reconectando al dúo con la esencia minimalista que caracteriza su trabajo.

“Los conciertos en el MOTH tenían una intensidad y una sencillez que nos hicieron volver a nuestros inicios”, declaró Thorn. “Directo, con la guitarra y la voz como protagonistas, y algunos matices adicionales. Hacía mucho tiempo que no nos adentrábamos en ese mundo y se sentía fresco y auténtico.

Esa sensación se trasladó a «Young and Dumb», que comienza con Watt tocando una guitarra española de cuerdas de nailon antes de dar paso a un pasaje relajado y cadencioso con influencias de bossa nova. Watt compró el instrumento a principios de 2026 y afirma que rápidamente se convirtió en fundamental para el proceso de composición.

«Se convirtió en un trampolín emocional para mí», explicó. «Encontré una voz que creía haber perdido».

Nueve de las diez canciones de “Blue Reservoir” fueron escritas con guitarra, y una con piano. Everything But The Girl grabó la mayor parte del álbum en directo durante 10 días en los famosos estudios RAK de Londres en julio, acompañados por sus colaboradores habituales Rex Horan al contrabajo y Evan Jenkins a la batería, además del percusionista Fabio de Oliveira. Blake Watt, hijo de Thorn y Watt, también participa en dos temas.

«Young and Dumb» llega con un videoclip dirigido por Edward Bishop, basado en un guion de Thorn y Watt y, apropiadamente, filmado en el MOTH Club.

BONO RECONOCE QUE LE HIZO PERDER A APPLE MÁS DE CIEN MILLONES DE DÓLARES CON REGALAR EL ÁLBUM, ‘SONGS OF INOCENCE’...

Bono finalmente ha admitido que se arrepiente de la infame saga de iTunes de U2 en 2014, después de que le costara a Apple la asombrosa cifra de 100 millones de dólares para lidiar con las consecuencias.

El álbum de la banda de rock irlandesa, ‘Songs of Innocence’, es recordado principalmente por las razones equivocadas, ya que la banda obsequió a todos los usuarios de la plataforma de streaming con un regalo no deseado en forma de descarga gratuita del disco.

Esta medida provocó una gran controversia en su momento, ya que, al parecer, los usuarios de iTunes no podían eliminar el álbum de sus colecciones al principio, hasta que Apple se vio obligada a revelar un método para que la gente pudiera eliminarlo de sus dispositivos, y gastó 100 millones de dólares en solucionar el problema.

Unos 12 años después del incidente, Bono ha admitido su error en una nueva entrevista con el New York Times, revelando que fue él quien propuso la idea de la acrobacia y que “todo fue culpa mía”.

Cuando se le preguntó si aquello le había causado algún daño a su reputación, el líder simplemente respondió:

“Me pasé de la raya con eso”.

Aunque Bono se vio obligado a admitir la derrota en el asunto, su mano derecha, The Edge, lo convenció argumentando: “Asumimos riesgos. Tenemos que hacerlo. Así que a veces uno fracasa y se da de bruces con la realidad. Es parte del trabajo”.

Tras todo este tiempo, U2 estará deseoso de dejar atrás la pesadilla vivida mientras se prepara para lanzar su último álbum, ‘Carnaval de Luz’, el 13 de noviembre.

Hasta el momento, U2 solo ha revelado la etapa sudamericana de su gira mundial The Greatest Show on Earth, con dos conciertos en Ciudad de México en febrero, seguidos de otros dos conciertos en São Paulo y Rio de Janeiro

SIMPLE MINDS HAN “RECUPERADO LA FE” EN SU NUEVO ÁLBUM, “SACROSANCT”...

Simple Minds han anunciado “Sacrosanct”, su vigésimo LP de estudio para el 29 de enero.

Su cantante y líder Jim Kerr le ha explicado a la revista MOJO: “Hace un año y medio, más o menos, le dije a mi mánager: ‘Creo que no vamos a grabar más discos’. Ya hemos dicho prácticamente todo lo que teníamos que decir, y no necesito estar encerrado mirando una pantalla. ¡Pro Tools es un infierno! Una tortura, te vuelves loco”.

Sin embargo, su gerente, Ian Grenfell, le sugirió que lo reconsiderara tras revisar las nuevas ideas que la banda había acumulado. “Me dijo: ‘¿Por qué no seguir como antes?’”, recuerda Kerr. “Fue muy convincente”.

Conscientes de que un par de temas nuevos no vendrían mal, Kerr y el guitarrista Charlie Burchill se reunieron durante tres días en los estudios Eastcote, al oeste de Londres, en la primavera de 2025, justo antes de su gira por Sudamérica.

Se les unieron el bajista Oscar Golding y el batería Geoff Holroyde, Andy Wright y Gavin Goldberg.

«Empezamos a trabajar a toda velocidad, grabando bajo, batería y tres pistas de acompañamiento en una sola tarde», cuenta Kerr. «Y de repente pensamos: “Quizás podemos hacerlo”. Fue una experiencia muy improvisada, y, contra todos los pronósticos, me resultó estimulante».

Durante el siguiente año y medio, repitieron el proceso periódicamente: con tres días de perfeccionamiento en el estudio de Wright en Acton y la mezcla a cargo de Andrew Scheps, Kerr calcula que la grabación del LP, titulado “Sacrosanct”, les llevó alrededor de un mes en total.

Las importantes giras por Estados Unidos en el verano de 2025 influyeron aún más en la dirección del álbum, según Kerr.

«Estábamos tocando los grandes éxitos, pero nunca pensé que vería al público estadounidense saltando y bailando al ritmo de la cuarta canción de la segunda cara de ‘Sons And Fascination’ [1981], o de los temas menos conocidos de ‘Empires And Dance’ [1980]. New wave, post-punk, como quieran llamarlo… Pensé: “Ahí es donde deberíamos estar, en esa misma línea”».

Además de Kerr y Burchill, el álbum cuenta con la colaboración en la composición de Iain Cook de Chvrches y Paul Statham de B-Movie, los del famoso y recordado “Nowhere Girl”. Algunas canciones datan de 2013, pero el cantante recalca: «No quiero que nadie piense que son temas descartados; a veces una canción necesita su momento».

Kerr, que un día fue marido de Chrissie Hynde de Pretenders, admite su deuda con Magazine, la banda post Buzzcocks de Howard Devoto, una de sus principales inspiraciones iniciales, en la enérgica canción que abre el disco, “Elysium” («Magazine, en nuestros sueños», dice).

Describe la segunda canción, “King Of The Underworld”, como «épica» sin complejos, y el primer sencillo, “Beginner Boys”, como «melancólico, romántico, pero con un toque new wave». El poeta y pintor londinense William Blake se manifiesta en “Jerusalem (State Of Mind)”, mientras que “Our Secrets Are The Same” reflexiona sobre la larga colaboración entre Kerr y Burchill.

Acertadamente, el tema “Songs” reflexiona sobre el poder milagroso de la música para redimir cuando todo lo demás falla.

Y Jim Kerr llega a la conclusión: «Ya empezó el siguiente. Nos sentimos rejuvenecidos», y luego explica por qué se llama “Sacrosanct”: «Hemos recuperado la fe».

LOS BEATLES TAMBIÉN CONQUISTARON CHINA...

Por primera vez el editor de los Beatles, Sony/ATV, había licenciado una canción del cuarteto para su uso en China. Se trata de ‘Hey Jude’ de Paul McCartney.

La canción fue parte del filme “Yesterday Once More”, una película sobre la adolescencia del director chino Yao Tingting. Se dice que han pagado una suma de seis cifras, una de las tarifas más altas jamás pagadas por una canción en China.

Una escena utiliza 4 minutos de ‘Hey Jude’ cantada también al mismo tiempo por los dos protagonistas de la película.

Todos estuvieron de acuerdo en que la canción de los Beatles de 1968 era perfecta para la película.

Esther Friedman, vicepresidente senior de cine y música de TV, había manifestado que la película, dirigida a un público joven que cuenta una historia de amigos en la high school que se enfrentan a la complejidad de la experiencia del primer amor, puede ayudar a introducir la música de los Beatles a un nuevo público.

“Eso siempre es importante en la decisión. Ha sido una razón de peso para decir que sí a este proyecto”.

Es complicado encontrar canciones del catálogo de los Beatles en películas o series. Una excepción notable fue cuando la serie “Mad Men” utilizó ‘Tomorrow Never Knows’ para un episodio de 2012, tras el pago de unos 250.000 dólares.

Es sorprendente, pero 45 años después de su separación y 50 años después de la “beatlemania”, los Beatles invadieron China.