NUEVO ALBÚM DE MOBY " future quiet"
U2 LANZAN POR SORPRESA EL EP DE FUERTE CARGA POLÍTICA «DAYS OF ASH»...
U2 ha lanzaron ayer por sorpresa el EP desafiante y de fuerte carga política «Days Of Ash» («Días de Ceniza») y han anunciado una nueva edición única de su clásico fanzine, Propaganda.
La banda irlandesa se ha tomado su tiempo, es su primera música en nueve años, desde 2017.
El nuevo lanzamiento incluye seis canciones y lo ha publicado Island Records. Bono y compañía lo han descrito como una respuesta a los convulsos tiempos que corren y lo han dedicado a quienes luchan en primera línea por la libertad.
Cuatro de las canciones tratan sobre personas y se centran en una madre, un padre, una adolescente cuyas vidas fueron truncadas, así como desde el punto de vista de un soldado que lamenta tener que renunciar a sus sueños de creatividad para ir a defender la libertad de su país.
El EP se abre con fuerza con «American Obituary», hace referencia a los sucesos ocurridos en Minnesota el 7 de enero, cuando una civil llamada Renee Good fue asesinada por un agente del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) de Estados Unidos.
Le sigue otra nueva canción, «The Tears Of Things», que examina, a través de los escritos de los profetas judíos, cómo vivir con compasión en tiempos de violencia y desesperación. La letra también imagina una conversación entre el David de Miguel Ángel y su creador, donde el primero rechaza la idea de que tiene que convertirse en Goliat para derrotarlo. Tanto la primera canción como la segunda están muy bien.
«Song of the Future» fue escrita para honrar la vida de Sarina Esmailzadeh, de 16 años, una de las miles de colegialas iraníes que salieron a las calles como parte del movimiento Mujer, Vida, Libertad en 2022. Se unieron tras la muerte de Jina Mahsa Amini, una joven kurdo-iraní que falleció en Teherán a causa de las heridas sufridas tras su arresto por no llevar el hiyab según las normas gubernamentales.
Esmailzadeh fue detenida por las fuerzas de seguridad iraníes y murió a causa de las heridas, y la canción de U2 busca honrarla por los esfuerzos que realizó en su corta vida. El tema es más modesto. El EP empieza muy bien pero va perdiendo a lo largo de sus seis canciones.
El disco también incluye una lectura de «Wildpeace», un poema del autor y poeta israelí Yehuda Amichai, y la canción «One Life At A Time». Esta última está dedicada a Awdah Hathaleen, palestino, padre de tres hijos y profesor, quien fue asesinado en su aldea de Cisjordania por un colono israelí el año pasado.
El EP concluye con la canción «Yours Eternally», en la que Bono y el guitarrista The Edge colaboran con Ed Sheeran y el músico ucraniano convertido en soldado Taras Topolia. El tema, escrito en forma de carta de un soldado en servicio activo, incluye un cortometraje documental dirigido por el director de fotografía y cineasta ucraniano Ilya Mikhaylus.
El documental captura la vida cotidiana de Alina y sus compañeros soldados que luchan en el frente de la guerra y se estrenará el martes de la semana que viene, 24 de febrero, cuatro años después de que Rusia invadiera Ucrania.
Bono ha declarado sobre el nuevo EP de U2:
“Ha sido emocionante tenernos a los cuatro juntos de nuevo en el estudio durante el último año”, revelando también que un álbum completo con material nuevo llegará a finales de 2026.
HISTORIA NO CONTADAS DE PERSONAJES DE LA MÚSICA.
Tarzán y el mimo, En las discotecas ochenteras, tupidas de rosas chillantes y azules eléctricos, el grito de Tarzán, conocido por otros simplemente como «el llamado de la selva», retumbaba de lo lindo los viernes y sábados de interminable juerga. Y todo por culpa de Baltimora, una formación electrónica a cargo del productor Maurizio Bassi. Un proyecto italiano que, como tantos de la década, halló notoriedad exprés: dos que tres shows televisivos interesados en su oferta y ¡pum!… dinero fácil.
Éxito y debacle rápidos. Una estrella que, pese a ser fugaz, permaneció en el disco duro de los chicos de una generación entera a la que todavía hoy, entre canas, achaques y arrugas, le nutre meter reversa en el tiempo.
En abril de 1985 su simplón y embriagante primer single, «Tarzan Boy», salpicó cuanta estación de radio sonaba en favor del pop. Y muy pronto el contagio entre programadores y patronos de las radiodifusoras propició que la pieza, remojada en el género italo-disco, llegara a la cima de los listados de popularidad en Bélgica, España, Países Bajos, Francia y Canadá, además de agenciarse el tercer lugar en Reino Unido y el decimotercero en el Billboard. A esto habría que sumar una generosa exposición de su videoclip en MTV, donde el frontman norirlandés de Baltimora, Jimmy McShane, se contoneaba cual culebra dentro de un holgado atuendo en tonos blanco y café. Intenso maquillaje, fogonazo a la vista.
«Me inicié como bailarín a los siete años, luego abandoné Irlanda y me fui a Londres a estudiar teatro, ahí aprendí a cantar», le dijo Jimmy a Dick Clark cuando debió actuar en el programa American Bandstand para promover el álbum Living in the Background. «Actuar»… porque en realidad McShane se dedicaba a hacer mímica. Desquitaba su salario meneando la cadera como un ente hipervitaminado frente a las cámaras, sonriente y gesticulante con esos anteojos que parecían haber sido remojados en colorante. En el mejor de los casos el británico pegaba el grito de Tarzán, pero esto, con garganta sana, cualquiera puede hacerlo.
Aún en la era de la dictadura synthpopera, la banda no volvió a crear sencillos de alto voltaje como «Tarzan Boy». Desanimado al mirar el descenso de las cifras, Bassi desmembró el proyecto en 1987. A Cenicienta le había llegado la media noche.
Una década después de la gloria, McShane falleció por complicaciones asociadas al SIDA sin que muchos se enteraran. No sólo apilaba 37 años de vivencias cuando su reloj biológico se detuvo, también se llevó a la tumba ese gran secreto de ser el mimo de Baltimora. Esto fue revelado por el productor Tom Hooker tiempo después, cuando ya nadie podía llevar a la hoguera al infractor: «Hay mucha mierda en el negocio y muchos no desean molestar a sus fans para no sacrificar la venta de discos. Ya no me importa, digo la verdad tal cual es: Baltimora era el canto de Maurizio Bassi y no la imagen que murió de SIDA años más tarde. Milli Vanilli no eran cantantes reales, Boney M. en los años 70 era un grupo de pura imagen. Yo no inicié esto. Se trata de adultos tratando de hacer negocios.»
Más allá de la controversia que en realidad nunca estalló, todavía en nuestros tiempos «Tarzan Boy» es pegajosa gracias al molde que desde 1985 han abrazado con vigor los adictos a la electrónica. Desde aquellos tiempos en que asistían a la disco para hacer el llamado de la selva a coro con McShane.
«FLAGS», LO NUEVO DE DAMON ALBARN, SIN GORILAZ NI BLUR...
Damon Albarn, el líder de Gorillaz, reflexionó sobre su reciente regreso al mundo de War Child. Más de treinta años después de contribuir al emblemático álbum de 1995 de la organización benéfica, Albarn regresó al Estudio 2 de Abbey Road para colaborar en el nuevo tema «Flags» junto a Grian Chatten y Kae Tempest.
El ambiente en el legendario estudio era de intercambio creativo. »
«·Fue genial. Estudio 2… , en donde grababan los Beatles,todos estaban haciendo algo en todas partes», le contó Albarn a Matt Wilkinson. El espíritu de las sesiones era tan contagioso que el líder de Blur se vio asumiendo roles inesperados: «Terminé en un coro para una de las canciones de Pulp. Fue genial. Fue realmente genial. Y como muchas bandas jóvenes, ¿sabes? Había un buen espíritu».
Al hablar de los orígenes de la nueva colaboración, Albarn explicó su reciente cambio en la filosofía de composición.
«Últimamente he estado escribiendo muchas canciones e intentando escribir más en clave mayor. Bueno, lo hice por un tiempo, pero me di por vencido otra vez, pero lo intenté. Uno de los resultados más exitosos fue esta especie de idea para una canción llamada ‘Flags’. Finalmente, presentó la idea al equipo, y «luego se involucró Grian y luego Kae».
Comparando la experiencia con su contribución de 1995, Albarn admitió a Matt Wilkinson que su yo más joven era un poco más enigmático.
«Miro hacia atrás y realmente no entiendo qué estaba haciendo. Hicimos una especie de música extraña y oscura. Esta vez… la escribimos todos juntos. Fue realmente agradable. Y creo que había una verdadera sensación de que los músicos disfrutaban pasando tiempo juntos».
AHORA, FILM BOGRÁFICO DE MAMAS AND THE PAPAS...
La obsesión de Hollywood por las películas biográficas musicales no solo está viva, sino que está en pleno auge. Aquí hay otra, y ya tiene actriz para el papel principal . Jessica Gunning («Baby Reindeer») interpretará a Cass Elliot en una película biográfica de Mamas and the Papas.
La película será producida por Veritas, la misma compañía detrás de «A Complete Unknown». Elliot fue el cantante principal de la banda, interpretando grandes éxitos como «California Dreamin'» y «Monday Monday». Los otros miembros fueron los fundadores John Phillips, Denny Doherty y Michelle Phillips.
Elliot, quien murió muy joven, formó parte del mundo de los cantautores de «Laurel Canyon», que incluía a Joni Mitchell y Crosby, Stills, Nash & Young, entre otros. Las historias que he leído sobre su vida son disparatadas, pero no, no murió atragantándose con un sándwich de jamón, como muchos todavía creen; fue un infarto.
Actualmente no hay ningún director o escritor vinculado al proyecto, pero presumiblemente Veritas está en proceso de contratarlos ya que después de años en un desarrollo infernal, el proyecto ahora está en movimiento.
Esta es solo una de las docenas de películas biográficas musicales en desarrollo, con proyectos ya aprobados que abordan a Blondie, Britney Spears, Michael Jackson, The Beatles, Madonna, KISS, Joni Mitchell, Lionel Richie, The Bee Gees, Carole King, Ronnie Spector, Janis Joplin, Dionne Warwick, Sinéad O’Connor y Linda Ronstadt.
Es como una locura desde el éxito de Queen.
En los últimos ocho años, desde que “Bohemian Rhapsody” desató esta locura, se han estrenado películas sobre Bruce Springsteen, Bob Dylan, Bob Marley, Aretha Franklin, Elvis, Elton John, Whitney Houston y Amy Winehouse.
¿POR QUÉ PINK FLOYD LLAMARON «DARK SIDE OF THE MOON» A SU ÁLBUM ?...
Antes de su obra maestra de 1973, The Dark Side of the Moon , Pink Floyd había luchado por encontrar su lugar tras la partida de su principal figura, Syd Barrett, en 1968.
En el documental Classic Albums sobre el LP, el guitarrista David Gilmour luego describiría gran parte de su música en los años posteriores al despido de Barrett como «ese material psicodélico».
No hubo improvisaciones en The Dark Side of the Moon . Solo 43 minutos de música dolorosamente reflexiva y profundamente conmovedora, distribuida en diez temas y una miríada de géneros diferentes, pero singular en su visión. Hay meditaciones crudas sobre la brevedad de la vida, la guerra, el capitalismo, las divisiones de clase y la salud mental.
Todo ello se presenta en una psicodelia expansiva pero melódica, con tintes jazzísticos, que Barrett habría sido el primero en apreciar. El bajista Roger Waters estaba despuntando como compositor, aportando algunas de las letras más emotivas jamás escritas para canciones de rock y guiando la dirección musical del álbum.
Pero ¿qué significa realmente el título?
En pocas palabras, » El Lado Oscuro de la Luna» fue el primer título provisional que se les ocurrió a la banda para el álbum que estaban creando, para describir las ideas que estaban desarrollando. La cara de la luna que mira en dirección contraria al sol fue la mejor metáfora que encontraron para la enfermedad mental, que es el tema principal del álbum, como lo ejemplifican las canciones «Speak to Me», «Brain Damage» y «Eclipse».
En particular, pensaban en su excompañero Barrett, cuyos problemas de salud mental lo obligaron a abandonar la banda y a recluirse. La etimología de la palabra «lunático», sinónimo común de locura, atrajo a la banda porque se originó en el diagnóstico medieval de un tipo de locura intermitente que parecía variar según la posición de la luna.
El álbum incluso se subtituló «A Piece for Assorted Lunatics» cuando la banda lo estrenó en vivo en el Rainbow Theatre de Londres un año antes de su lanzamiento discográfico. El tema de la locura seguiría siendo un tema recurrente en la música de Pink Floyd desde entonces, especialmente en su álbum Wish You Were Here , para el que escribieron la canción «Shine On You Crazy Diamond» en referencia directa a Barrett.
Sin embargo, la banda nunca lograría superar a The Dark Side of the Moon como obra de arte singular. Como Waters explicó recientemente , Floyd «por fin lo habíamos logrado». Habíamos creado el álbum que definiría su carrera.»
